As intervenções ecológicas de Willie Cole transformam lixo em arte

O artista Willie Cole criou duas novas esculturas colossais e gerou uma provocativa exposição coletiva decorrente de uma chamada aberta incomum pedindo aos artistas que transformassem objetos destinados a aterros sanitários em algo imaginativo e novo.

Os trabalhos resultantes estão em duas exposições em cartaz no Expresso Newark, o centro de arte e design socialmente engajados afiliado à Rutgers University – Newark, onde Cole, 68, é um artista residente. Eles falam de sua prática de longa data de usar objetos prontos como matéria-prima e sua preocupação com as crises ambientais.

próprio programa de Cole, “Apanhador de espíritos e Lanterna sem lúmen,” consiste em duas obras semelhantes a candelabros, cada uma montada a partir de mais de 3.000 garrafas plásticas de água coletadas em Newark, onde Cole cresceu na década de 1960.

As formas, tecidas com arame de metal no local durante sua residência, com a ajuda de estudantes da Rutgers e vizinhos de Newark, falam sobre a frustração de Cole com os resultados da crise hídrica da cidade: em 2019, a Agência de Proteção Ambiental considerou a água da cidade insegura. para beber, e Newark começou a substituir cerca de 23.000 linhas de canos de chumbo envelhecidos. Cole foi impelido a enfrentar a crise por meio de suas obras de arte e, especificamente, o próximo problema: o que fazer com as milhares de garrafas plásticas descartáveis ​​distribuídas pela cidade, que contribuem para o ciclo de toxicidade e poluição.

Enquanto Cole fazia as esculturas de garrafas de água com os alunos da Rutgers em sua oficina de estilo aprendiz, ele gerou um prompt criativo pedindo-lhes que escolhessem e desmontassem um objeto encontrado “em tantos pedaços quanto possível” e então inventassem algo novo a partir dessas peças. . Seu colega professor, Colleen Gutwein O’Nealadaptou o prompt em um chamada aberta para artistas da região.

O resultado é uma modesta exposição de esculturas de artistas selecionados pelo júri, apresentada ao lado dos alunos da Rutgers. Com curadoria de O’Neal, está em exibição até 30 de junho no Express Newark. (O diretor, Salamishah Tillet, é um grande crítico do New York Times.)

Assim como as garrafas de água de Cole, muitos dos objetos em exibição – anteriormente uma lanterna, uma lâmpada, um relógio de parede, um toca-discos, um ventilador, secadores de cabelo – incluem plásticos e outros materiais difíceis de reciclar.

O título do programa, “Engenharia Perceptiva”, é uma frase que tem ressonância em Cole desde que ele a ouviu pela primeira vez, décadas atrás, como uma forma de descrever como os anunciantes “estão criando realidades para nos inspirar a comprar”. O que ele quer dizer com essa frase, geralmente em seu trabalho e especificamente neste show, explica Cole, é “usar o que você encontra sem alteração além da alteração perceptiva”.

Durante anos, Cole trabalhou com objetos descartados, como sapato (sua escultura “Shine”, feita de escarpins pretos de salto alto, está exposta na sala Afrofuturista do Metropolitan Museum) e ferros a vapor. No ano passado, em Nova York, apresentou uma mostra individual de esculturas feitas de violões.

A mais nova comissão de Cole, intitulada “Ornitologia”, será apresentada no novo Aeroporto Internacional de Kansas City, que abre oficialmente na terça-feira. Cole incorporou 164 saxofones para chocar um bando de 12 esculturas de pássaros em homenagem à lenda do jazz e herói local Charlie (Bird) Parker. Ele chamou o projeto de “um verdadeiro ganso de carreira”, rindo de seu trocadilho.

Durante os meses restantes de sua residência, Cole, que também tem obras expostas no Museu de Arte de Knoxville como parte da exposição inaugural Trienal do Tennessee (até 7 de maio), convidou membros da comunidade e visitantes a fazer esculturas adicionais com garrafas de água doadas. Ele planeja que essas obras sejam lançadas em junho como parte de sua nova comissão de arte pública ao longo da Park Avenue em Manhattan, para o Fundo para Park Avenue.

Nem sempre é fácil “abrir a percepção” e ver objetos familiares de uma maneira nova, diz Cole. Ele incentiva os alunos a quebrar coisas e desenhar cada parte quebrada, examinar sua silhueta e reimaginar sua escala. “Você tem que olhar para tudo para ver do que você se lembra”, enfatiza Cole. “Tudo pode ser qualquer coisa.”

Aqui estão vários destaques do show coletivo “Perceptual Engineering”, extraídos de declarações de artistas enviadas com seus trabalhos.

Benjamin DeCruz, “Bowlegged Plastyle Bot”, 2022

No início, Benjamin DeCruz, um aluno da Rutgers na oficina de estúdio de Cole no Express Newark, teve dificuldades com essa tarefa; como Cole lembra, “Ele não conseguia trilhar o caminho da transformação”. Por fim, com o treinamento de Cole, DeCruz transmutou uma lanterna azul em uma figura em pé que transborda personalidade e atitude. “’Plastyle’ é um jogo de palavras com plástico e estilo”, explica DeCruz. O talento deriva em grande parte do chapéu-coco inclinado de sua figura e sua pose de poder um tanto akimbo.

Giovanna Eley, “LV Bralette,” 2021

Após uma separação, Giovanna Eley, graduada em Belas Artes pela Rowan University em Glassboro, NJ, parou de usar a bolsa Louis Vuitton falsificada que seu ex-namorado lhe deu de presente de sua mãe. “Em vez de jogá-lo fora, pensei que este era o projeto perfeito para transformar – algo do passado do qual quero passar para algo novo e único”, diz Eley. A Tutorial de moda DIY do YouTube inspirou Eley, cuja prática multimídia também incluiu a criação de um espartilho de aço e fundição de peitorais e adagas funcionais em bronze e alumínio, a imaginar seu “LV Bralette”.

Ana Monteiro transformou um candeeiro de pé de 1,80 metros numa obra de arte de mesa, com um fio elétrico enrolado no pescoço, do qual três lâmpadas desabrocham em flor. A escultura refere-se ao “desejo de liberdade e transmutação em situações constritivas”, diz Monteiro. Como o título sugere, é um trabalho psicológico sobre o “B” do BDSM: bondage.

“Meu trabalho cria uma oportunidade para os espectadores entrarem em um espaço de especulação”, diz Monteiro, acrescentando que vê sua produção artística – vídeos, colagens, música, pinturas e desenhos – como “condutos para energia emocional armazenada, iluminando verdades que pode ter permanecido nas sombras.

Karina Nunez, “Não identificado”, 2022

Karina Nunez se descreve como uma grande crente no poder da brincadeira para alcançar a autodescoberta e a expansão criativa. Ela foi atraída por um secador de cabelo vintage e, aqui, reinventou um difusor dos anos 1990. Nunez chamou sua escultura de “Não identificada” e disse que pode ser “o que o público decidir que seja”. Mas seu título sugere um objeto voador não identificado e – com suas lâminas semelhantes a helicópteros – a escultura parece pronta para uma jornada no ar.

Samantha Treadwell, “Conector para fone de ouvido”, 2022

Com “Headphone Jack”, Samantha Treadwell explora nossa relação com a música, mediada pela tecnologia. Ela transformou um conjunto de fones de ouvido em uma figura de jack-in-the-box usando fones de ouvido enquanto tocava violão. Os designs de objetos do cotidiano “muitas vezes assumem formas que fazem referência ao corpo humano”, observa Treadwell, observando a forma como os fones de ouvido têm “articulações” para permitir que se dobrem de forma compacta e uma “espinha” que conecta os dois fones de ouvido, cada um com uma “pele”. ” de tecido que esconde a fiação por dentro.

Todd Frankenfield, “Rolado”, 2022

Todd Frankenfield, um artista de mídia mista baseado em Easton, Pensilvânia, respondeu à chamada aberta com entusiasmo, aproveitando-a como uma ocasião para documentar com fotos, algumas exibidas aqui, as etapas que ele deu para desmontar o onipresente palete de madeira áspera frequentemente usado para armazenar e transportar mercadorias. Ele empilhou as tábuas em uma escultura semelhante a um totem. Em sua prática, Frankenfield costuma usar colagem e escultura para examinar “niilismo, surrealismo, minimalismo e a propriedade inerentemente finita dos materiais”.

Seu objetivo “era desconstruir e examinar um objeto que tem uma função simples muito específica e remover seu valor contextual e propósito”, diz ele, mas ele propositalmente montou a madeira e os pregos de forma que “eles pudessem ser desenrolados e colocados em usar.”

Ashanti Haley, “Gêmeos fraternos: gêmeos, placenta, mãe”, 2022

Ashanti Haley brinca com formas arquitetônicas, anamórficas e geométricas em seus desenhos, pinturas, esculturas e fotografias para explorar suas próprias “experiências fundamentais de aprendizado quando criança”, diz ela. “Meu trabalho aborda as nuances da família, amor próprio, autopreservação, atualização e metamorfose.”

Aqui, em uma das obras de maior sucesso em exibição, ela desconstruiu dois secadores de cabelo portáteis antigos, mas os deixou conectados com fios “para ilustrar a conexão e a fonte de força em minha unidade familiar”, diz ela, retratando uma mãe, seus filhos gêmeos e , inesperadamente, uma placenta que para ela simboliza “uma fonte universal e espiritual”.

Ela acrescenta que, para ela, o conceito da exposição “ressalta o poder de desconstruir o que parece funcional e criar algo mais durável e bonito”.

Fonte: The New York Times